Bajo el peso de la grandilocuencia

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EL RENACIDO
The Revenant
Alejandro González Iñárritu, 2015

“A principios de 1800, un grupo de tramperos y comerciantes indios regresan con sus bienes a la civilización tratando de ganarle el tiempo al invierno. Cuando el guía […] es herido por un ataque de oso, deciden dejarle atrás para que muera. Al recuperarse, sin embargo, jura venganza sobre ellos y les persigue […].” (imdb). Esta sinopsis no es de El renacido, aunque podría serlo. Es de El hombre de una tierra salvaje (Man in the Wilderness, 1971), escrita por Jack DeWitt, dirigida por Richard C. Sarafian y protagonizada por Richard Harris.

Al igual que la novela de Michael Punke en que “parcialmente” se basa el guión de El renacido, escrito por González Iñárritu y Mark L. Smith –nominados a Mejor Guion Adaptado–, DeWitt se inspiró en la historia del verdadero Hugh Glass, el trampero que sobrevivió al ataque de un Grizzly y se convirtió en una leyenda de las montañas y del río Missouri, inspirador asimismo del largo poema La canción de Hugh Glass. El esqueleto narrativo de El renacido es la misma historia que nos contó DeWitt, guionista que escribió series B y televisión desde los años cuarenta hasta que se despidió con la trilogía de Un hombre llamado caballo (1970-1983), y todo lo que queda más allá del mito fundador pre-western y las crónicas de supervivencia y venganza responde a las habituales ambiciones de Iñárritu por entregar “una experiencia que golpee al espectador” y añadir al relato grandes ideas, destinos azarosos y significados de carácter racial, romántico y sobrenatural.

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Una mirada incompleta

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EN LA MUERTE DE THEO ANGELOPOULOS
(Atenas, 1935 – Pireo, 2012)

La palabra FIN nunca aparecía en sus películas. Como si las historias de su cine nunca llegaran al final. Más bien, como si concibiera toda su filmografía como un trabajo inacabado, incompleto, continuo. Theodoros Angelopoulos (Atenas, 27/4/1935) practicó el cine como una aventura humana, como un trayecto existencial en el que su matriz, el paso del tiempo, no podía en ningún momento pasar desapercibido. Su oficio, su estilo de vida, no consistía en hacer películas, sino en hacer cine, que es algo bien distinto.

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La poética de la podredumbre

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QUÉ DIFÍCIL ES SER UN DIOS
Trudno byt bogom – Hard to Be a God
Alexey German, 2013

La leyenda dice que frente a la película Khrustalyov, My Car! (1998), cuando se proyectó en Cannes, un miembro del jurado dijo: “Esta película es tan extraordinaria que ni siquiera yo la entiendo”. Se trataba de Martin Scorsese. Han transcurrido más de quince años desde entonces, es decir, prácticamente los que ha invertido el visionario cineasta ruso Aleksey German (Leningrado, 1938 – San Petersburgo, 2013), con apenas seis largometrajes dirigidos en 45 años de carrera, en realizar Qué difícil es ser un dios, su filme póstumo. Seis años de rodaje y ocho de post-producción, tras pasar por diferentes montajes y un minucioso, perfeccionista trabajo de sonorización y mezclas durante el cual se lo llevó la muerte. La película estaba prácticamente completada, aseguran su mujer y su hijo (guionista y director, respectivamente), que acabaron el trabajo por él. German, qué duda cabe, sabía que iba a ser su último trabajo. Aquel por el que se le recordaría in saecula saeculorum.

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Encuentros con David Fincher. El arte del ‘pulp’

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La transcripción de esta entrevista es el compendio de dos encuentros mantenidos con David Fincher el mismo día, el 15 de septiembre de 2014. El primero, de 25 minutos, tuvo lugar en una habitación del Hotel Villamagna de Madrid, con motivo de la promoción de su última película,
Perdida (Gone Girl); el segundo, apenas un par de horas después, tuvo lugar en el auditorio de la Escuela Universitaria TAI de Artes y Espectáculos, con motivo de la inauguración del curso 2014-2015. Frente a un auditorio de 180 personas, la mayoría estudiantes, entrevisté al director durante otros 25 minutos. A continuación ofrezco la transcripción literal y en continuidad de ambos encuentros.

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Bajo la piel del gran cine

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UNDER THE SKIN
Under the Skin
Jonathan Glazer, 2013

Se ha hablado mucho de ella pero por los motivos equivocados. Alguien filtró fotogramas en los que Scarlett Johansson es filmada completamente desnuda en Under the Skin y la película se convirtió por unas horas en uno de los asuntos más comentados y compartidos en las redes sociales. El tercer largometraje de Jonathan Glazer, que se presentó en la pasada edición del Festival de Venecia, no solo acoge la interpretación más inaudita y valiente de Johansson, que ocupa cada fotograma del relato, sino que es una de las películas más misteriosas y extraordinarias de cuantas se han realizado en los últimos años. Que yo sepa, de momento no hay planes por parte de ninguna distribuidora de que vaya a estrenarse en cines españoles, pero ya se puede adquirir en ediciones en DVD o Blu-Ray de otros países, como Inglaterra.

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Filmar lo invisible

LE QUATTRO VOLTE
Le quattro volte
Michelangelo Frammartino, 2010

El cine forma a veces extrañas y reveladoras constelaciones. Una visión mística y cosmológica del hombre, fuertemente conectado a la naturaleza, se ha manifestado en películas que recorren prácticamente todo el espectro de la galaxia cinematográfica. Desde la vertiente salvajemente industrial: Avatar (2009), la película más taquillera de la historia. Desde su opuesto, el cine de festivales radicalmente de autor: Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas (2010). Ambos films, víctimas propiciatorias de espectadores muy distintos, tratan en esencia de trasladar la misma cuestión a la pantalla: cómo filmar la transmigración de las almas. Y lo hacen desde posturas irreconciliables, el new age de diseño tecnológico frente a la vindicación de la inocencia primigenia del cine.

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